When architecture goes beyond functionality to create a distinctive relationship with the outside world, it enhances the uniqueness of a place.
Two remarkable examples—the Populus in Denver and The Silo Hotel in Cape Town—show how design can shape not just the building but also the way its surroundings are perceived, making each view a signature element of the hotel.
The Populus, with windows inspired by aspen trees, does more than connect guests to the Rocky Mountains. By mirroring the natural patterns of its environment, it offers a singular way to experience the landscape, reinforcing the hotel’s identity.
The Silo Hotel, a bold transformation of a historic grain silo, uses its distinctive structures to redefine the way Cape Town is seen. By blending industrial heritage with African creativity, the view itself becomes part of the hotel’s character, offering guests a perspective they wouldn’t find elsewhere.
In both cases, the windows act as frames that shape a unique visual experience, making each hotel instantly recognizable. The view is not just a backdrop—it’s an integral part of the brand’s identity, a signature that enhances its memorability and desirability.
This is more than design; it’s a strategic approach where architecture reinforces storytelling and differentiation in the hospitality landscape.
Des fenêtres qui racontent des histoires : quand le design façonne l’expérience
Lorsque l’architecture dépasse la simple fonctionnalité pour créer un rapport singulier avec le monde extérieur, elle accentue l’unicité d’un lieu.
Deux exemples remarquables — le Populus à Denver et The Silo Hotel au Cap — illustrent comment le design ne se contente pas d’encadrer une vue, mais contribue à façonner la perception de l’environnement, faisant de chaque regard un élément signature de l’hôtel.
Le Populus, avec ses fenêtres inspirées des trembles, ne se contente pas de relier les visiteurs aux Rocheuses. En résonance avec les motifs naturels de son environnement, il propose une manière unique d’expérimenter le paysage et renforce ainsi l’identité du lieu.
Le Silo Hotel, audacieuse réinterprétation d’un ancien silo à grains, utilise ses structures iconiques pour redéfinir la manière dont on perçoit Le Cap. En mêlant héritage industriel et créativité africaine, il offre une vision du paysage qui lui est propre, une perspective que l’on ne retrouve nulle part ailleurs.
Dans ces deux cas, les fenêtres sont bien plus que de simples ouvertures : elles cadrent une expérience visuelle unique et reconnaissable, faisant de la vue un élément clé de l’identité de l’hôtel. Elle ne se résume pas à un décor ; elle devient une signature qui renforce la mémorabilité et la désirabilité du lieu.
Ce n’est pas qu’une question de design : c’est une approche stratégique où l’architecture façonne le storytelling et la différenciation dans le paysage hôtelier.
Place: The Silo Hotel, Cape Town
Project Architect: Thomas Heatherwick
Source : Dezeen
Place: The Populus Hotel, Denvers
Project Architect: Studio Gang
Source : Studio Gang
Is this a cellar ? No, check this out.
A café, a shop, and an art gallery coexist within the transformed wine cellars of Abel Pereira da Fonseca, in Lisbon’s 8 Marvila district.
Miguel Amado Arquitectos honored the site’s industrial heritage through a design rooted in material reuse—rubble, iron, and repurposed counters are seamlessly integrated into the raw concrete walls.
But the real intrigue lies in the unexpected: a bold red intervention that breathes vibrancy into the space while accentuating its layered history.
The result is a seamless dialogue between past and present, where industrial roots meet creative reinvention.
S’agit-il d’un chai? Non, lisez plutôt.
Café, boutique et galerie d’art cohabitent dans les anciens chais d’Abel Pereira da Fonseca, au cœur du quartier 8 Marvila de Lisbonne.
Miguel Amado Arquitectos ont sublimé l’empreinte industrielle du lieu en valorisant la réutilisation des matériaux : gravats, métal et anciens comptoirs s’intègrent harmonieusement aux murs en béton brut.
Mais c’est l’inattendu qui captive : une intervention rouge audacieuse, vibrante, qui dynamise l’espace tout en révélant sa profondeur historique.
Ici, le passé industriel s’illumine d’une réinterprétation contemporaine audacieuse.
Place: Lisbon, Portugal
Project Architect: Miguel Amado Arquitectos
Photography: Miguel Amado Arquitectos
Sources: Archello
Nestled in Tokyo’s Tennozu district, PIGMENT TOKYO is far more than a store—it’s an experiential haven for artists and designers alike. Designed by renowned architect Kengo Kuma, its organic interior features a stunning undulating bamboo ceiling that echoes the fluidity of brushstrokes.
But the true masterpiece lies in its shelves, housing over 4,500 pigments, rare inkstones, and exquisite Japanese brushes. From the ultramarine glow of lapis lazuli to the futuristic sheen of YInMn Blue, every material invites visitors to explore the boundless possibilities of artistic expression.
PIGMENT TOKYO isn’t just a showcase of tools; it’s a creative laboratory. Here, experts lead workshops that connect traditional techniques with modern innovation, fostering dialogue between makers, users, and materials. Visitors don’t just purchase supplies—they dive into a world where ancient knowledge meets contemporary challenges, from sustainable sourcing to evolving artistic practices.
Like the pigments it sells, the space transforms—merging tradition, experimentation, and inspiration.
Ondes de couleurs et de créativité chez PIGMENT TOKYO
Dans le quartier de Tennozu à Tokyo, PIGMENT TOKYO redéfinit la notion de boutique : un sanctuaire expérientiel pensé pour les artistes et designers.. Conçu par le célèbre architecte Kengo Kuma, son intérieur organique se distingue par un plafond ondulant en bambou, rappel subtil de la fluidité d’un coup de pinceau.
Mais le véritable chef-d’œuvre réside dans ses étagères, où s’alignent plus de 4 500 pigments, des pierres à encre rares et des pinceaux japonais d’une finesse exceptionnelle. Du bleu profond du lapis-lazuli à l’éclat futuriste du YInMn Blue, chaque matériau invite les visiteurs à explorer les infinies possibilités de la création artistique.
PIGMENT TOKYO n’est pas qu’un écrin d’outils : c’est un laboratoire de créativité. Des experts y animent des ateliers qui tissent un lien entre techniques traditionnelles et innovations modernes, favorisant ainsi le dialogue entre artisans, utilisateurs et matériaux.
Ici, les visiteurs ne se contentent pas d’acquérir des fournitures : ils plongent dans un univers où savoirs ancestraux et défis contemporains se rencontrent, des enjeux de durabilité aux évolutions des pratiques artistiques.
À l’image des pigments qu’il abrite, cet espace se métamorphose—fusionnant tradition, expérimentation et inspiration.
Place: PIGMENT TOKYO, Japan
Architect: Kengo Kuma
Photography: PIGMENT Tokyo
Sources: penonline.com
What place does intimacy hold in today’s world? This question was at the heart of L’Intime, de la chambre aux réseaux sociaux, the exhibition at the Musée des Arts Décoratifs that we recently explored. While not directly focused on hospitality, it offered insights that deeply resonated with our work at NeoPlaces.
Our visit confirmed a major paradox shaping spatial design today: intimacy is simultaneously more exposed and more personal than ever. The exhibition highlighted how digital culture is reshaping the boundaries between private and public life—an evolution we see directly impacting experiential spaces.
Some individuals seek open, shared spaces where experience becomes content to be displayed. Others crave absolute privacy, requiring environments meticulously designed to shield them from external gaze. Between these extremes lies a spectrum of possibilities, where each person negotiates their own balance between solitude and connection.
For hospitality and design, the challenge is clear: spaces must become more adaptive, offering guests the freedom to define their own level of intimacy. For us, the Living Tower by Verner Panton, featured in the exhibition, exemplifies this approach—a sculptural structure that enables both retreat and interaction, prefiguring the hybrid spaces of today.
“In experiential space design, intimacy is no longer a fixed concept but a fluid variable. Understanding these societal transformations allows us to create environments that seamlessly adjust to individual expectations.” — Emmanuelle Mordacq.
L’intimité en question : vers une nouvelle grammaire des espaces
Quelle place l’intimité occupe-t-elle dans nos vies ? Cette interrogation a guidé notre visite de L’Intime, de la chambre aux réseaux sociaux, l’exposition du Musée des Arts Décoratifs. Si elle ne traitait pas directement de l’hôtellerie, elle a nourri notre réflexion sur l’évolution des espaces et des expériences que nous concevons chez NeoPlaces.
Notre analyse a confirmé un paradoxe essentiel : alors que l’intimité s’expose toujours plus, elle devient aussi une valeur à redéfinir. L’ère du numérique bouleverse les frontières entre sphère privée et visibilité publique, un phénomène qui impacte directement la conception des lieux d’expérience.
Certains recherchent des espaces ouverts et partagés, où l’expérience elle-même devient un contenu à diffuser. D’autres revendiquent une intimité absolue, nécessitant des environnements pensés pour préserver leur bulle personnelle. Entre ces extrêmes, une infinité de nuances : chacun façonne son propre équilibre entre isolement et connexion sociale.
Pour l’hôtellerie et le design, l’enjeu est de créer des lieux capables de s’adapter à cette diversité et de permettre à chacun de choisir son degré d’intimité. Pour nous, la Living Tower de Verner Panton, présenté dans l’exposition, illustre parfaitement cette approche : une structure sculpturale qui favorise à la fois l’isolement et l’interaction, anticipant déjà la flexibilité des espaces hybrides d’aujourd’hui.
“Dans la conception des lieux d’expérience, l’intimité n’est plus un absolu, mais une variable à moduler. Comprendre ces évolutions sociétales nous permet d’anticiper des usages plus fluides et de proposer des espaces qui s’adaptent aux attentes de chacun.” — Emmanuelle Mordacq.
The Living Tower by Verner Panton
Lieu: Musée des Arts Décoratifs, Paris
Source: Exposition L’Intime, de la chambre aux réseaux sociaux
As cities expand, harmonizing urban life with nature becomes essential. Two innovative projects — the Benchakitti Rainforest Observatory in Bangkok and Living Places Copenhagen — show how thoughtful design can bridge this gap.
In Bangkok, the Benchakitti Rainforest Observatory reconnects residents with nature through an elevated walkway over a restored wetland. It offers a serene experience while preserving the delicate ecosystem below. This project transforms degraded land into a space where people and nature coexist seamlessly.
Meanwhile, Living Places Copenhagen redefines sustainable living with low-carbon prototype homes. Developed by VELUX, EFFEKT, and partners, these homes feature eco-friendly materials, healthy indoor climates, and reduced carbon footprints. They prove that sustainable, affordable housing can be a reality now, not just in the future.
Both projects highlight a shared vision: cities that prioritize people and the planet, proving that urban growth can be sustainable, balanced, and inspiring.
Cohabitation urbaine : des villes où l’homme et la nature prospèrent ensemble
À mesure que les villes grandissent, harmoniser l’urbanisation et la nature devient essentiel. Deux projets innovants — l’Observatoire de la Forêt Tropicale de Benchakitti à Bangkok et Living Places Copenhagen — montrent comment un design réfléchi peut combler ce fossé.
À Bangkok, l’Observatoire de la Forêt Tropicale de Benchakitti reconnecte les habitants à la nature grâce à une passerelle surélevée au-dessus d’une zone humide restaurée. Une expérience sereine qui préserve un écosystème fragile. Ce projet transforme une terre dégradée en un espace où l’homme et la nature coexistent harmonieusement.
De son côté, Living Places Copenhagen redéfinit l’habitat durable avec des prototypes de maisons à faible empreinte carbone. Développées par VELUX, EFFEKT et leurs partenaires, ces habitations utilisent des matériaux écologiques, assurent un climat intérieur sain et prouvent que des logements durables et abordables sont possibles dès aujourd’hui.
Ces deux projets illustrent une vision commune : des villes qui respectent l’humain et l’environnement, prouvant que le développement urbain peut être durable, équilibré et inspirant.
Lieu: Bangkok
Architectes: HAS Design and Research
Source: Archello
Is this an art gallery ? No, check this out.
This is the Elance Learning Center’s headquarters in Kozhikode, India— reimagined to inspire learning and creativity. Designed by Vili & Vé Architecture, the space merges its educational purpose with innovative design, creating a corporate environment that encourages curiosity and growth.
A crisp white palette, punctuated by touches of yellow, red, and blue, sets a dynamic tone. Elevated platforms subtly establish spatial hierarchies, while the pastel-toned waiting lounge invites reflection. A statue reaching skyward symbolizes the company’s core mission: the pursuit of knowledge.
Workspaces unfold under a metal tree, representing organic growth within a structured organization. The CEO’s office and studios are strategically positioned to encourage seamless interaction between leadership and creativity. Every design choice serves a purpose—metal trees for intellectual expansion, a wave-like reception desk for fluidity, and cubist artworks for structured playfulness.
Elance’s headquarters isn’t just a place that embodies its educational values; it’s a visual manifesto for creativity and innovation. If learning centers headquarters look like this today, what might schools of the future feel like?
Est-ce une galerie d’art ? Non, lisez plutôt.
Voici le siège de l’Elance Learning Center à Kozhikode, en Inde — repensé pour inspirer l’apprentissage et la créativité. Conçu par Vili & Vé Architecture, cet espace exprime sa vocation éducative grâce à un design innovant, créant ainsi un environnement professionnel qui stimule la curiosité et le développement.
Une palette de blancs épurés, rehaussée de touches de jaune, de rouge et de bleu, instaure une ambiance dynamique. Des plateformes surélevées dessinent subtilement des hiérarchies, tandis que la salle d’attente aux tons pastels invite à la réflexion. Une statue tendant vers le ciel incarne la mission fondamentale de l’entreprise : la quête de savoir.
Les espaces de travail s’organisent sous une structure arborescente en métal, symbole de croissance organique au sein d’une organisation structurée. Le bureau du CEO et les studios sont stratégiquement positionnés pour favoriser les échanges fluides entre direction et créativité. Chaque choix de design a du sens : les arbres métalliques pour l’expansion intellectuelle, le bureau d’accueil ondulé pour la fluidité, et les œuvres cubistes pour une touche de jeu structuré.
Le siège d’Elance n’est pas seulement un lieu qui reflète ses valeurs éducatives ; il s’impose comme un véritable manifeste visuel de créativité et d’innovation. Si les sièges des centres de formation ressemblent à cela aujourd’hui, à quoi vont ressembler les écoles de demain ?
Lieu: KOZHIKODE, INDIA
Architectes: Vili & Vé Architecture
Photographie: Nathan Photos
Source: Archdaily
Is this an immersive museum? No, check this out.
Step into the washroom on the 4th floor of Deji Plaza Phase I and find yourself at the intersection of poetry, art, and functionality. Designed by Li Xiang, this space defies the mundane, offering a contemplative pause rather than a utilitarian stop.
A courtyard enclosed by abstract design interventions invites energy to flow freely. Folding fans, falling leaves, and pointers quietly mark the passage of time, rotating with a gentle grace every fifteen minutes. The fluidity of time itself is questioned here—does it pass, or does it fold upon itself, inviting you to linger?
Art installations blur boundaries, creating a dream-like atmosphere. The entrance greets visitors with twirling fans, leading them through ink-like ripples and mirrored reflections. Bamboo shadows sway behind delicate screens, evoking rural serenity. Traditional motifs—rosewood textures, paper umbrellas, and incense burners—are woven seamlessly with modern minimalism, encouraging a sensory escape.
This washroom is a comma, a momentary pause in the narrative of your day. It doesn’t rush you; it whispers a slower rhythm, encouraging introspection.
As you step back out into the world, one question lingers: why couldn’t a functional space become a place of contemplation?
Est-ce un musée immersif ? Non, lisez plutôt.
Dans les toilettes du 4ᵉ étage de Deji Plaza Phase I, poésie, art et fonctionnalité se rencontrent. Imaginé par Li Xiang, cet espace transcende le quotidien et offre une pause contemplative plutôt qu’un simple passage obligé.
Une cour fermée par des ponctuations de design abstrait laisse l’énergie circuler librement. Éventails pliants, feuilles tombantes et aiguilles d’horloge marquent discrètement le passage du temps, tournant avec une grâce subtile toutes les quinze minutes. Ici, le temps s’écoule ou se replie sur lui-même, incitant à ralentir.
Les installations artistiques brouillent les frontières, créant une atmosphère onirique. L’entrée s’anime d’éventails tourbillonnants, créant des reflets qui évoquent des encres mouvantes. Derrière des paravents délicats, les ombres de bambous dansent et rappellent la sérénité de la campagne. Textures en bois de rose, ombrelles en papier, brûleurs d’encens : les motifs traditionnels se mêlent au minimalisme moderne pour une échappée sensorielle.
Cette salle d’eau est une virgule, une pause dans le récit du quotidien. Aucun rythme imposé, seulement une invitation à l’introspection.
Après cette parenthèse, une question demeure : pourquoi un espace fonctionnel ne deviendrait-il pas un lieu de contemplation ?
Lieu : Deji Plaza Phase I, Toilettes du 4e étage
Architecte : Li Xiang
Photographie : SFAP
Sources : Archilovers
When Luxury Hotels Become Patrons: Belmond x Daniel Buren
In the world of luxury hospitality, a new frontier has been reached. No longer content with simply decorating or acquiring art pieces, Belmond is transforming the industry by commissioning bespoke artistic creations for its most iconic properties, in collaboration with renowned artist Daniel Buren and the Continua Gallery.
This marks a true revolution in the relationship between art and hospitality. The MITICO 2024 project epitomizes this new vision: Buren, a master of in situ art, is crafting site-specific works for six of Belmond’s legendary hotels, including the iconic Copacabana Palace and Castello di Casole in Tuscany. His “Haltes Colorées” installations are designed to interact with the architecture, landscapes, and gardens, transforming each hotel into an immersive art experience. More than just an exhibition, these installations redefine both the space and the guest experience.
Belmond’s initiative goes beyond simply beautifying its properties; it reimagines them. By embracing the role of patron, Belmond shifts from the conventional approach of purchasing or displaying art to integrating it at the core of the guest experience. Guests are no longer drawn solely by luxury accommodations but by the opportunity to immerse themselves in a unique artistic journey shaped by visionary creators.
Quand l’hôtellerie de luxe devient mécène : Belmond x Daniel Buren
Dans l’univers de l’hôtellerie de luxe, un nouveau pas est franchi. Finie la simple décoration ou acquisition d’œuvres d’art. Belmond, en collaboration avec l’artiste Daniel Buren et la galerie Continua, bouleverse les codes en commandant des créations artistiques sur mesure pour ses établissements les plus emblématiques.
Une véritable révolution dans la manière dont l’art et l’hospitalité se rencontrent. Le projet MITICO 2024 incarne cette nouvelle approche : Buren, maître de l’art in situ, investit six hôtels iconiques de la marque — du légendaire Copacabana Palace au Castello di Casole en Toscane — pour créer des œuvres spécialement conçues pour dialoguer avec l’architecture, les paysages, et les jardins. Loin d’une simple exposition, ces Haltes Colorées transforment les hôtels en œuvres d’art immersives, redéfinissant le rapport à l’espace et à l’expérience client.
Cette initiative ne se limite pas à embellir un lieu ; elle le réinvente. En devenant mécène, Belmond dépasse la tendance courante d’acheter ou louer des œuvres et positionne l’art au cœur même de l’expérience de séjour. Les visiteurs ne viennent plus seulement pour une nuit de luxe, mais pour être plongés dans une expérience artistique unique, façonnée par des créateurs visionnaires.
Sources/ Belmond
In the hotel chain landscape where predictability often reigns supreme, Graduate Hotels has chosen a very specific target and stands out by creating a collection of hotels for this target and this target only: students and academics from the best universities in the United States. Graduate Hotels are always part of these campus cities, merging academic nostalgia with contemporary creativity.
The result? A brand that’s not just about where you stay but how deeply you connect with your surroundings. From the historic streets of Cambridge and Oxford to the Ivy League vibes of Princeton, Graduate Hotels celebrate local heritage with a playful yet sophisticated design.
What makes Graduate Hotels stand out is their commitment to authenticity. Before opening a new location, the team dives deep into local traditions, creating spaces that resonate with both visitors and residents. The result is a hotel that feels less like a business and more like a beloved local landmark.
Catering to a clientele whose mindset is defined by curiosity and adventure, these hotels invite guests to relive old memories and make new ones in environments filled with nostalgic charm and local flair, connecting you to the heart of the town.
Graduate Hotels : créer des communautés, une ville universitaire à la fois
Dans le paysage des chaînes hôtelières où la prévisibilité règne souvent en maître, Graduate Hotels a choisi une cible très précise et se distingue en créant une collection d’hôtels pour cette cible et uniquement cette cible: les étudiants et universitaires des meilleures universités des Etats-Unis. Les Graduate Hotels s’inscrivent à chaque fois dans ces villes-campus, fusionnant la nostalgie académique avec la créativité contemporaine.
Le résultat ? Une marque qui ne se limite pas à l’endroit où l’on séjourne, mais à la profondeur de la connexion avec son environnement. Des rues historiques de Cambridge et d’Oxford à l’ambiance Ivy League de Princeton, les Graduate Hotels célèbrent le patrimoine local avec un design ludique mais sophistiqué.
Ce qui distingue Graduate Hotels, c’est son engagement envers l’authenticité. Avant d’ouvrir un nouvel établissement, l’équipe plonge au cœur des traditions locales, créant des espaces qui trouvent un écho auprès des visiteurs et des résidents. Le résultat est un hôtel qui ressemble moins à une entreprise qu’à un incontournable lieu local et apprécié.
S’adressant à une clientèle dont l’état d’esprit défini par la curiosité et l’aventure, ces hôtels invitent leurs clients à revivre de vieux souvenirs et à en créer de nouveaux dans des environnements empreints de charme nostalgique et d’une touche locale, en les connectant au cœur de la ville.
Places/ Columbia, South Carolina
Ann Arbor, Michigan
Providence, Rhode Island
Annapolis, Maryland
Oxford, Mississippi
Evanston, Illinois
Sources/ Graduate by Hilton
Where Play Meets Pause: A Cozy Thai Retreat
Nestled in the heart of Bangkok, Little Stove & Little Stump combines a café and playground, creating a thoughtful space for both relaxation and play. The clever design ensures that kids are always within sight of their parents, thanks to the centrally placed playground—a huge plus for families.
The café’s minimalist interior complements the wooden play structures just outside, blending comfort and creativity. While you enjoy a well-crafted coffee inside, you can easily keep an eye on your children as they explore the open-air play area.
This space offers a balanced experience, providing moments of pause for adults and playful freedom for kids—all within view. Simple yet smart, Little Stove & Little Stump is a perfect example of design serving both function and enjoyment.
Les jeux des enfants et la pause des parents cohabitent dans ce café thaïlandais chaleureux
Niché au cœur de Bangkok, Little Stove & Little Stump combine un café et une aire de jeux, créant un espace bien pensé pour la détente et les activités des plus jeunes. La conception intelligente du lieu garantit que les enfants sont toujours à portée de vue de leurs parents, grâce à l’aire de jeux placée au centre, un énorme avantage pour les familles.
L’intérieur minimaliste du café complète les structures de jeu en bois juste à l’extérieur, alliant confort et créativité. Pendant que les parents savourent un café à l’intérieur, ils peuvent facilement garder un œil sur leurs enfants pendant que ces derniers explorent l’aire de jeux.
Cet espace offre une expérience équilibrée, offrant des moments de pause pour les adultes et une liberté ludique pour les enfants, le tout à portée de vue. Simple mais intelligent, Little Stove & Little Stump est un parfait exemple de conception au service de la fonction et du plaisir.
Place : Bangkok, Thailand
Architect : NITAPROW
Source : http://Archdaily.com
